El artista Matthew Angelo Harrison complica la relación entre la agencia y la estética

Después de una nominación a la Bienal de Whitney, la artista representada por Jessica Silverman espera una presentación en Kunsthalle Basel 2020.

En una tarde reciente, el escultor con sede en Detroit Matthew Angelo Harrison actúa como guía a través de la Bienal de Whitney 2019, señalando sus piezas favoritas. Es uno de los 75 artistas incluidos en la encuesta sin título y, con 29 años, se une a las tres cuartas partes de la lista de menores de 40 años, lo que convierte a esta iteración en la más joven del museo hasta la fecha. Entre sus mejores selecciones se encuentran el ensamblaje de herramientas rituales de Tiona Nekkia McClodden talladas en un árbol que ella cortó, acompañadas de un video que documenta su producción; una fotografía en blanco y negro de Elle Pérez que centra a una pareja abrazada, uno de cuyos pechos está envuelto en plástico y tiene marcas de juego de agujas (perforación corporal realizada por el placer de la sensación); y un par de retratos de bodegones fragmentados de Paul Mpagi Sepuya creados en colaboración con el escritor Ariel Goldberg. Iluminando las paredes de una sala en el quinto piso del museo, las fotografías de Sepuya —para las cuales emplea espejos, trípodes y la presencia de la cámara misma para interrogar la relación entre el artista, la herramienta y la composición— rodean y complementan las propias creaciones híbridas de Harrison. Por su contribución, Harrison presenta seis nuevas esculturas en su serie Dark Silhouettes. Cada uno presenta un artefacto sumergido en resina, luego cortado con precisión por un enrutador CNC en tótems rectangulares de diferentes tamaños e impresos con formas mecánicas que marcan la caricia de la máquina. Cuatro lanzas Dogon y dos ídolos de madera de África Occidental, algunas antigüedades de buena fe y otras producidas en masa para la venta en Occidente, aparecen oscurecidas en el interior, como si estuvieran congeladas en hielo, un efecto logrado intencionalmente por Harrison para comunicar una idea que él llama "ancestro abstracto". ." Se sientan sobre elegantes pedestales de metal diseñados según los diseños belgas de mediados de siglo, en alusión a la historia de colonización del país en África.

"Para relacionarse y asimilarse culturalmente a los estadounidenses negros, han tenido que reapropiarse de las imágenes africanas para crear su propia idea de lo que es la patria", dice. Abordando su oficio como un productor de techno (un síntoma de su educación en Michigan), Harrison señala que la procedencia de los objetos, como una muestra dentro de una pista, es menos importante que el producto terminado. Una vez que estos objetos llegan a sus manos, han perdido su energía cósmica. "Reuní la historia de estas cosas y las incrusté en mi propia narrativa como una persona negra que ha sido completamente eliminada de su ascendencia".

En el centro de la habitación destaca una pieza. Titulado Worker Fragment Gleam (2019), consiste a primera vista en un faro BMW cortado flotante y parece un espécimen en una campana de cristal. Harrison, un ex empleado de Ford, señala que el automóvil fue ensamblado en una fábrica de Detroit: "Piensas en esto como un automóvil europeo cuando, de hecho, se conduce aquí, se ensambla aquí y se consume aquí", dice. Cuando se ve en conjunto, la instalación funciona como una poderosa metáfora visual de la pérdida y el reensamblaje de la cultura como resultado de la globalización y el intercambio entre la producción y la vida humana. Con una paleta tenue de marrones y grises, la declaración se siente moderada, incluso práctica.

“Todos estos traspasos que se dan por la globalización dejan huella. Le quita algo a la identidad de cada cosa”, dice. "Una vez que la ira desaparece, ¿cómo nos adaptamos realmente a estos cambios sísmicos en la cultura y los hacemos, no necesariamente correctos, pero funcionales de una manera que sea útil para que todos entiendan la historia? Es un proceso de rehabilitación".

Aunque algunos críticos de la Bienal de este año argumentan que la exposición carece del fuego radical con el que se ha convertido en sinónimo a lo largo de sus 79 años de historia, muchos de los artistas han conseguido crear un espacio para el trabajo sutil, un arte que hierve en lugar de gritar. . Con una alusión potente pero embriagadora a las complejidades de la cultura estadounidense negra contemporánea, alterada para siempre por las mareas del colonialismo y la globalización, Harrison aboga por la agencia sobre la indignación.

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